Todo herói existe para representar alguma coisa. Ele luta, ela se esforça, ele se sacrifica, mas sempre com algum objetivo maior. Isso é o que faz dele um herói, e via de regra isso transparece na sua aparência. Mesmo personagens que não utilizem as tradicionais roupas coloridas coladas, ainda assim constroem uma identidade visual com seu interior. É o caso de John Constantine que se veste com terno e sobretudo. Mas o tema dessa coluna reside na roupa dos heróis, então vamos lá!

1) Super-Homem e Capitão América

"The Americam Way of Life" ou "o estilo de vida americano" é o que inspira a DC Comics na criação do Super-Homem, em 1938, às vésperas da Segunda Guerra Mundial, um momento em que as pressões, o medo e a desconfiança faziam o mundo perder as esperanças. Assim nasce o personagem que vem de uma terra muito distante (Krypton, a anos-luz de distância), mas que é criado nos valores mais íntimos da América, e não à toa no interior do meio-oeste dos Estados Unidos. O resultado é um ser tão virtuoso em espírito e caráter quanto poderoso fisicamente (e olha que ele poderia destruir a Lua no murro se quisesse).

Devido a esses valores e à sua criação já foi afirmado várias vezes, embora fosse bastante nítido, que a bandeira americana foi a base para o seu uniforme, pelo menos nas cores. Isso já foi dito pelos seus criadores e desenhistas da editora, mas também já foi dito nos quadrinhos. Até menso na série de Tv "As Aventuras de Lois e Clark" Martha Kent afirmou isso para o nosso herói.

Um outro exemplo inspirado na mesma bandeira foi criado pela editora Marvel como uma representação do espírito americano no ano de 1941, durante a segunda guerra mundial. Para criar a identificação precisa com o Tio Sam e suas ideias o símbolo mais claro seria a bandeira americana e por isso o padrão de listras vermelhas e brancas, a cor azul e as estrelas são a base. Como se fosse necessário ainda temos o "A" de América na testa.

Mas diferente do Super-Homem, este herói era um soldado que nasce durante a guerra, para defender o país. Não é por acaso que ele tem um escudo nas mãos, pois ele vem proteger e dar segurança a um país... e mais do que isso, a bandeira e seus ideais são o que o protegem, acima de tudo.

2) Daredevil (o Demolidor)

Um personagem muito complexo da Marvel, Matthew Murdock é lançado em 1964 e assume uma gama de significado diferente... é de uma classe de heróis suburbanos que não defende o mundo das grandes forças do mal, mas que luta para proteger sua vizinhança do crime e das drogas. Ele nasce para representar os ideais do cidadão comum. Seu nome no Brasil recebeu uma tradução fraca para coincidir com as duas letras D em seu peito, chamado "DemoliDor", quando no original "DareDevil", ou "Diabo Intrépido", que vem de um tipo de artista circense que desafia a morte em saltos perigosos e façanhas arriscadas. Essa é de fato a sua virtude: o "podre diabo" que se arrisca e desafia a morte sem nada mais do que a sua coragem.

Em uma cena marcante de sua história, o Demolidor encontra o Capitão América na ponte do Brooklin e após cuidarem de uns criminosos bateram um papo. O Capitão afirma que ele se reveste da bandeira e que a América é o que ele representa e pergunta ao Demolidor o que ELE representa com seus chifres e a roupa vermelha... Murdock não sabe o que responder, mas isso o faz refletir sobre quem ele é e o que ele faz... Mas não muda a sua essência torturada.

3) Emma Frost, a Rainha Branca

O início dessa personagem tão carismática é como uma vilã. Emma Grace Frost aparece pela primeira vez como parte do grupo de vilões: o Clube do Inferno. Antes mesmo de ser uma vilã na luta eterna entre facções mutantes, ela lia a mente das pessoas para conseguir sucesso financeiro e assim ficou milionária. A personagem demonstra pouco ou nenhum senso de moral e defende conscientemente a objectificação do seu próprio corpo. Ela elege a cor branca para se representar como símbolo de pureza e de perfeição, embora o formato de suas vestes indiquem na direção do pecado e dos favores sexuais.

Com o tempo, Emma acaba se aliando aos X-men, se torna a diretora da academia de treinamento da "Geração X" (os alunos mais jovens dos X-Men), depois se torna membro do grupo principal, tem um romance com Ciclope, e depois que ele fica viúvo passam a viver juntos. E embora ela não abra mão das roupas brancas e provocantes, ela acrescenta o "X" ao uniforme, representando que ela então passava a defender a causa de Xavier.

Em mais de um momento de sua carreira, porém, Emma alterna as cores que veste para o preto. Uma das ocasiões foi quando ela se uniu aos X-Men Sombrios, quando a cor preta representava a unidade do grupo (como comentamos no texto anterior). Mas mais importante, a cor preta representava que a própria Emma se sentia corrompida e que ela lutava por algo em que nem ela mesma acreditava. A outra ocasião foi quando ela, depois de ter sido hospedeira da entidade cósmica chamada de Fênix, perdeu o controle de seus poderes, o que a deixou fraca e vulnerável. Nos dois casos ela havia perdido a sua perfeição e a sua pureza.

E caso você esteja se perguntando que imagem é aquele lá em cima, foi uma releitura dos heróis da Liga da Justiça para um cenário medieval no estilo da távola redonda do Rei Arthur. E é na idade média, e mesmo na antiguidade que encontramos a ideia dos brasões. O estandarte que abria o caminho dos exércitos e ornamentava as armaduras dos guerreiros era o símbolo de suas famílias, mas a construção desses brasões vinha de seus valores. A virtude que define essa família estaria estampada em seu brasão, assim como a marca de um super-herói... afinal é pra isso que serve a roupa espalhafatosa!

Vivemos num mundo onde as emoções humanas são cada vez mais escassas e a velocidade do cotidiano muitas vezes nos afasta do convívio das pessoas de quem gostamos. Desse jeito, objetos midiáticos muitas vezes se tornam de grande interesse, nos atingem profundamente... sejam demonstrações românticas, engraçadas, familiares, ou mesmo violentas, desde que sejam capazes de nos tirar de nossas frias existências.

É muito comum na publicidade fazer uso de vídeos com o intuito de que sejam compartilhados e com isso ganhem força junto ao público. O objetivo de ser compartilhado só pode ser atingido se o conteúdo desse material tocar os espectadores de alguma forma. Compartilhar algo significa assinar em baixo, dar o nosso aval sobre a sua qualidade ou o nosso desejo de que as outras pessoas o vejam. Compartilhar um vídeo é acima de tudo a nossa tentativa de compartilhar experiências em tempos de assepsia emocional.

Permitam-me apresentar (e estender) um exemplo não comercial de vídeo amplamente compartilhado meses atrás. A proposta desse vídeo era mostras 20 pessoas que nunca haviam se visto previamente e que se beijassem, dois a dois (formando 10 casais). Sem regras ou padrões, incluindo um casal gay e um casal de lésbicas, o resultado é capaz de tocar a todos nós por ser uma experiência pela qual todos passamos, de uma forma ou de outra: o primeiro beijo.

Depois desse vídeo original e da atenção que ele atraiu, muitas versões e paródias foram criadas. A minha versão inspirada favorita se trata de abraços. A proposta é que estranhos se abracem, mas há um detalhe: os abraços devem ser entre um homossexual e alguém declaradamente homofóbico. Homens e mulheres, jovens e idosos, a intenção do vídeo é dar um passo inicial contra a homofobia. O resultado é muito interessante e foi também muito compartilhado... eis o tal

E por fim, um que talvez não tenha o mesmo “mérito social engajado”, mas que cria uma atração estranha (pelo menos em mim) mostra completos estranhos sendo gravados no momento enquanto dão tapas uns nos outros. Como mencionei acima, o que causa interesse é que haja algum elemento humano que nos toque, e nesse caso é a violência que quebra nossa constância e nos humaniza:

Creio que o fascínio (pelo menos eu mim) seja por eu acreditar (e acredito mesmo) que sejam tapas reais, abraços reais e beijos reais de pessoas que realmente nunca se viram. Nas nossas vidas cotidianas essas expressões emocionais (beijos, abraços, tapas) estão mais presentes enquanto televisionados (ensaiados, falsos) do que ao nosso redor, o que é uma pena. Só para constar: somos contra a violência e não resolvemos as coisas na base do tapa. Pelo menos eu não!

A música de fundo suave e a colorização em preto e branco ajudam a criar um ambiente fora do real. É como se fosse um vídeo de história ou do Discovery Channel. O resultado é adorável! Puro deleite estético!!

E caso você esteja se perguntando quem é esse casal da foto lá em cima, trata-se de um soldado americano e uma enfermeira no desembarque das tropas "vitoriosas" da segunda guerra mundial. Conta-se que eles não se conheciam e que o beijo deles foi um arroubo da excitação do momento. Verdade ou lenda, esse é o registro que fez a cena ganhar notoriedade e essa foto se tornou uma imagem muito famosa, servindo de referência por gerações.

Todo mundo gosta de um remake. Não? Nem todo mundo, ok, mas na maior parte das vezes um bom remake é massa! Primeiramente, estou falando de cinema, então remake é um filme "refeito"... um filme que depois de algum tempo ganhou uma nova versão onde a sua história é mantida na base mas adaptada em detalhes significativos. Por exemplo:

No ano de 1984 Karate Kid conta a história de um jovem que ao chegar numa nova cidade é hostilizado por adolescentes locais praticantes de arte marcial, sendo vítima de violência física e psicológica (se fosse nos dias de hoje seria bullying). Nosso protagonista, Daniel-san, encontra um mestre de karate (que ficou famosíssimo como sr. Miyagi) que lhe apresenta a doutrina marcial através de exercícios não convencionais (como pintar a cerca e polir o carro), o auto-controle e a postura de vida necessária para que ele se imponha frente à sua comunidade, não pela força, mas pela segurança de caráter para a não violência. E sim, ele se aproxima da garota.

Já no ano de 2010 tivemos um remake de Karate Kid onde um jovem se mudou para uma nova cidade onde o protagonista é agredido e ostracizado por artistas marciais (não dois ou três, mas praticamente metade da escola em que ele vai estudar). O jovem Dre Parker encontra um mestre (nada menos do que Jackie Chan) que lhe apresenta a doutrina marcial através de exercícios nada convencionais (como colocar e tirar uma jaqueta), o auto-controle e a postura de vida necessária para que ele se imponha frente à comunidade, não pela força, mas pela segurança de caráter para a não violência. E sim, ele também se aproxima da garota.

Faltou mencionar que nessa nova versão do filme o protagonista aparenta ter cinco ou seis anos a menos do que no filme original, é um jovem negro e está se mudando não de bairro ou de estado, mas saindo dos Estados Unidos para morar numa cidade da China.

A mudança no filme fez com que o choque de etnias fosse mais explícito do que uma rivalidade entre "garotos locais" e "garoto novo". Da mesma forma, as pressões sociais de auto-afirmação e romance que no filme original recaem sobre um adolescente aparentando 17 ou 18 anos, nessa nova versão pesam sobre um garoto que não parece ter mais de doze anos. Isso acaba sendo um reflexo da nossa realidade social, em que cada vez mais jovens somos cobrados de "ser alguém" e de "fazermos algo". Uma renovação que colabora com a credibilidade da história para os públicos da década de 2010.

Como eu disse lá em cima, existe um gosto especial em ver um remake. Isso não é uma constatação nova... Aristóteles, mais de 2300 anos atrás na Grécia antiga já estudava a estética e já havia formulado um entendimento sobre a "mimese": o prazer que o ser humano sente ao reconhecer um objeto que passou pela transformação da ação humana. Reconhecemos o objeto original e quanto mais de "nós" reconhecermos na versão nova, mais gostaremos dele. Afinal de contas, a nova roupagem dada ao objeto terá algo da visão desse novo artista e se essa visão casar com a nossa é sucesso. Vamos tomar como exemplo a música "Wonderwall"

Na sua versão original, tocada pela banda Oasis, a música transmite o sentimento da letra que fala sobre futuro, caminhos trilhados e conta com um arranjo característico da banda, contando com a sonoridade de instrumento de cordas, conferindo uma suavidade que contrasta com o vocal "despojado" da banda.

No cover de Alex Goot, tocada com um arranjo um pouco mais simples e com um vocal mais nasal e melódico, essa versão dá mais velocidade à música e a deixa mais jovem. Atende a um público um pouco diferente da original.

Já na versão da banda Hurts a sonoridade é reformulada mais profundamente à medida que o acompanhamento é muito baseado no piano, a cadência é recriada e o resultado é mais adulto e um tanto mais sombrio. Um resultado bem diferente das duas versões anteriores. Fácil perceber que esses estilos diferentes atingem públicos diferentes.

A indústria cinematográfica, como citei no começo, tem usado alguns remakes poderosos, incluindo última estréia dessas férias: as Tartarugas Ninja!

Os filmes lançados nos anos de 1990, 1991 e 1993 fizeram grande sucesso aliados à série de desenhos animados, marcando profundamente uma geração.

Para além de todos os remakes uma série que já merece atenção especial é o reboot dos clássicos "Planeta dos Macacos". O primeiro filme tendo sido lançado em 2011 com o título de "Rise of the Planet of the Apes" ("Planeta dos Macacos: a Origem") e continuado este ano com "Dawn of the Planet fo the Apes" ("Planeta dos Macacos: o Confronto").

Mas esses merecem uma atenção especial e de um cuidado maior no que se refere às diferenças entre remakes e reboots, por isso vamos tratar deles no próximo texto, sim?

Quero encerrar dizendo que eu, particularmente, adoro remakes. Passando dos 30 anos de idade já vejo filmes que fizeram parte da minha infância e adolescência sendo refeitos e isso me agrada. E se eu tiver sorte, espero que um dia algum estúdio com visão sensível decida fazer uma versão de "The Breakfast Club" ("O Clube dos Cinco"), que eu acho um filme extraordinário.

Desde que o ser humano se entende por "sapiens" que nós temos medo do que não entendemos... e não há nada mais desconhecido do que o pós-vida. Esse é um tema presente nas artes desde a pré-história e uma das perguntas de base da filosofia: "quem somos?", "de onde viemos?" e "para onde vamos?" afinal a morte é para onde vamos em definitivo.

Os egípcios na antiguidade tinham toda uma explicação de como seria o processo de julgamento dos mortos. Se o coração (que simboliza o valor do espírito) fosse mais pesado do que uma pena o morto iria para o "inferno" conduzido pelo deus Anúbis sob as ordens de Osíris.

Mas ao longo da história da humanidade a arte foi sempre utilizada para metabolizar nossas inquietações e nossos medos, então desde a idade média o tema da morte também é explorado com leveza e até humor (em alguns casos) enquanto se torna objeto para reduzir o medo das pessoas.

Essa categoria de arte foi chamada "danse macabre" (literalmente "a dança da morte") e é interpretado por alguns como uma sátira à morte, uma brincadeira que ridiculariza a própria força fúnebre. Outros a vêem como a morte satirizando os humanos, zombando da nossa condição de impotência frente à nossa vulnerabilidade. Seja como for, tem sempre algo de lúdico envolvido.

Avançando alguns séculos e vários movimentos artísticos, chegando à mídia dos nossos dias, vemos que a Morte é tema de muitas expressões culturais. E talvez a forma mais clássica e mais assustadora com o a morte nos aparece seja exatamente um ser humano que retorna da morte. Esse conceito vem desde os egípcios antigos conservavam seus mortos ilustres como múmias por acreditar que eles voltariam à vida. Mas e se eles voltassem como monstros irracionais e nocivos?

Do medo de sermos nós mesmos transformados na imagem da putrefação e de nos ser negado o repouso eterno da morte, surge a figura do zumbi: um cadáver reanimado desprovido de racionalidade reduzido a pouco mais do que um animal. A figura do zumbi está comumente associada ao consumo de carne humana ou de cérebros humanos, que liga a outro grande medo humano: o canibalismo. Diversas são as origens das lendas dos zumbis, desde explicações religiosas de que levantaremos no dia do juízo às feitiçarias da Santeria das ilhas do Caribe ou mesmo a infecções de vírus que se espalham como epidemias apocalípticas. Mas isso não é o nosso foco!

A figura dos zumbis se torna um dos monstros clássicos, ao lado dos Vampiros, Lobisomens, Bruxas, Fantasmas e faz parte da nossa cultura pop atual. A cada aparição esses personagens tomam formas diferentes, então vamos listar alguns formatos clássicos para depois ver suas variações.

1) Filmes

Em Zombieland um vírus se alastra pelo mundo transformando as pessoas em zumbis. Em filmes de zumbi, geralmente os sobreviventes buscam locais seguros longe da infecção e preferencialmente buscam grupos de humanos saudáveis para poder continuar vivos.

2) Videogames

Resident Evil é um dos maiores clássicos de jogos de zumbis, onde uma indústria farmacêutica teria criado acidentalmente (ou não) uma substância que impediria a pessoa de morrer, mas com isso de fato torna o usuário um morto-vivo. Uma franquia com diversos jogos lançados e que gerou uma franquia de filmes. Em jogos de mortos-vivos, geralmente o objetivo é destruir os ressuscitados, preferencialmente com um tiro na cabeça.

3) Quadrinhos

Marvel Zombies é um projeto da editora Marvel onde numa realidade paralela à nossa basicamente todos os personagens foram acometidos pelo apocalipse zumbi e facções distintas se enfrentam. Num caso como este, o apelo principal da trama é encontrar preferencialmente uma forma de evitar que tudo isso tenha acontecido, mas se tratando da Marvel, vários ganchos de roteiros existem, impedindo o arco de se encerrar e preferencialmente permitindo que seja revisitado e seus personagens reutilizados.

4) Séries de TV

The Walking Dead é uma das primeira séries de TV baseada no tema e segue o esquema geral mencionado acima nos filmes. Geralmente os personagens se envolvem em missões de busca por condições de vida (alimento, abrigo, etc.) mas preferencialmente desenvolvem seus dramas pessoais e transformações de personalidade ao longo dos anos da série.

5) Música

Não que essa seja uma categoria tão comum como as mencionadas anteriormente, mas a exemplo da produção artística da "danse macabre", a presença dos mortos serve como sátira, ou piada, geralmente trazendo a ideia dessa transformação humana pós falecimento, mas preferivelmente utilizada como impacto visual grotesco e assustador. Além desse clássico de Michael Jackson temos artistas como Zob Zombie que se valem dessa temática.

Mas, pensar sobre a morte é pensar sobre a condição humana, e por isso muitas mídias vem utilizando os mortos-vivos como forma de retratar nosso cotidiano. Os zumbis nesses casos se tornam a metáfora de nós mesmos e das nossas vidas. Vejamos dois casos em que isso ocorrre:

1) In The Flesh

Neste drama britânico a premissa é de pessoas que morreram no ano de 2009 por diferentes formas (doenças, acidentes, assassinatos) e retornaram à vida sem qualquer explicação. Essas pessoas retornadas são chamadas de "parcialmente mortas", como se se tratasse de uma doença, são acompanhadas e medicadas e então reintegradas à sociedade, usando maquiagem e lentes de contato para esconder as mudanças que a morte causa em seus corpos. Parte da população não aceita essa reintegração e reage de modo violento enquanto outros ficam felizes de rever entes queridos (e outros parecem não se importar).

Através da figura desses mortos-vivos a série parece fazer relação com indivíduos que sofrem ou passaram por algum episódio de distúrbio mental. Pessoas que passam por uma experiência que interrompe seu convívio social mas que depois de algum tempo retornam sob a supervisão médica, mas nunca mais se tornam o mesmo de antes, levantando a suspeita de todos.

O protagonista é um jovem chamado Kieren que acaba de ser devolvido à sua família e tenta reencontrar seu lugar no mundo depois de levantar do túmulo e receber alta do centro de tratamento para pessoas parcialmente mortas. Kieren não vê sua volta como uma dádiva, uma vez que ele havia cometido suicídio devido à morte de seu namorado, que também retorna como um morto-vivo. Sem entregar spoilers, é uma das séries mais tristes que eu já assisti até hoje.

2) Warm Bodies (Meu namorado é um zumbi)

Nesse filme a causa o aparecimento dos zumbis nem sequer é explorada, pois não é de interesse para a trama, mas logo na abertura uma crítica à nossa sociedade é feita: nós nos tornamos zumbis por vontade própria ao abrir mão do contato humano e ao nos isolarmos uns dos outros. Mais importante do que qualquer ocorrência de ordem profética, mística ou científica, o enredo aponta para a nossa descida à insensibilidade, pois assim estaremos mortos em vida (o que faz de nós os zumbis).

O nome original do filme faz parte dessa crítica. "Warm bodies" ou "corpos quentes" em português, se refere a essa única diferenciação, pois sem o sentimento de humanidade e sem o contato real entre as pessoas somos apenas mortos habitando corpos quentes. Mas o filme também mostra o caminho da redenção enquanto acompanhamos o protagonista retornar à categoria humana (tanto quanto possível) à medida que exercita e fortalece sua habilidade de sentir. Trajetória que se inicia com essa curiosa cena.

Eu sou fã de séries. Muito mesmo, e isso não é novidade pra ninguém. Mas além de fã eu também sou estudioso da comunicação (e sou chato)... Bastante! E isso pode parecer novidade para algumas pessoas! Juntando essas duas coisas e o fato de que eu sou academicamente guiado a “pesquisar” aquilo que me intriga, me interesso pelas aberturas dessas séries. Parece haver uma tendência crescente de não se fazerem mais aberturas, mas apenas vinhetas, às vezes de poucos segundos. Vejamos as diferenças:

ABERTURA: sequência de imagens (geralmente utilizadas na série e geralmente imbuída de algum efeito ou filtro que lhes dê unidade). Entre aberturas clássicas para mim eu cito:

1) Abertura da série "Charmed"

A abertura da quarta temporada de Charmed, logo após a morte da personagem "Prue", interpretada por Shannen Doherty. Sua morte obrigou a produção a refazer toda a abertura, tirando por completo a sua imagem. A substituição de cenas teve de incluir a nova personagem "Paige" (Rose McGowan) e representava uma nova fase do seriado.

2) Abertura da série Roswell

Abertura da série Roswell, remontada por fãs com suas cenas favoritas.

3) Abertura de Buffy, a Caça-Vampiros

Abertura da primeira temporada de Buffy, a Caça-Vampiros (minha série favorita de todos os tempos).  Mostrava uma montagem veloz  das imagens que propunham ser o estilo da série.

Nessas aberturas a montagem, a escolha de cenas, o ritmo das imagens, a fotografia (e filtros) e certamente a música dão o tom e estabelecem uma forma de identidade. Por falar em música, nas aberturas de Charmed e de Roswell as músicas ("How soon is Now" e "Here with Me", respectivamente) são significativas para o tema dessas séries, sendo o tema de Charmed uma referência recorrente em conteúdos ligados à bruxaria (mesmo filmes e outras séries).

Além disso elas apresentam muita coisa da série, como os atores e seus personagens, cenários, algumas insinuações de relações e plots da temporada e relacionamentos… Essas aberturas dão a cara da série e dão algo para os expectadores incorporarem.

VINHETA: Meros segundos usados para registrar a marca da série. Não apresenta elementos constitutivos da trama, dos personagens… não tem tempo de trabalhar uma música, enfim… Entre essas tristezas eu cito:

1) The Vampire Diaries

Aparentemente tentando fugir o clime "highschool" e trazer um ar um pouco mais dark

2) The Secret Circle

Uma série que não passou da primeira temporada, mas cuja temática (bruxas) tentava ser mais sombria, embora o cenário e os personagens fossem tipicamente adolescentes. Talvez por essa incoerência ela não tenha continuado no ar...

Essa utilização de vinhetas pode ser para ganhar tempo, por falta de criatividade (não creio) ou sei lá o que, mas acredito que a série perde muito com isso! Um exemplo é o que foi feito com a abertura de Grey’s Anatomy. Antes era assim:

Não usava os atores, mas pelo menos mostrava o ambiente do hospital como palco das atribuladas vidas amorosas e sexuais dos personagens. Depois ficou simplesmente a imagem da marca da séries sem nem um sonzinho próprio. A imagem aparece no final da primeira cena do episódio e os sons da cena apenas continuam.

Acho fraco e sem personalidade pra uma série tão bacana!

Quando a série tem uma identidade as pessoas podem se envolver mais, não apenas com os personagens (com os quais nos identificamos), mas com a própria série. Isso lhes dá a chance de “transmidiar” algo, produzindo conteúdos com o que as séries oferecem. Para demonstrar esse pensamento, cito alguns trabalhos de fãs com as aberturas de suas séries. Essas montagens (muito comuns) recebem o título “SÉRIE X opening, SÉRIE Y style”

1) Grey's Anatomy, Friends Style

2) The Vampire Diaries, Buffy style

O que fica aqui chamado de “estilo” foi o que pudemos nos referir como “identidade” acima. Os elementos que podemos perceber para criar essa referência de estilo são a música (que não funcionaria sem), a tipologia utilizada para os nomes dos atores e personagens, os tipos de cenas utilizadas (que fora de contexto são visualmente engraçadas, enérgicas, rápidas, etc.) e assim por diante.

Não se pode, entretanto, generalizar que toda vinheta seja ruim e toda abertura seja boa. Particularmente cito as vinhetas de abertura de Once Upon a Time como muito competentes!

1) Vinhetas da série Once Upon a Time

Cada episódio da série tem uma vinheta própria, onde se pode ver uma dica do episódio, dos personagens ou de algum acontecimento.

2) Abertura da série The Big Bang Theory

Tudo bem que uma série de meia hora (episódios de vinte e quatro minutos aproximadamente) não pode se dar ao luxo de gastar muito tempo, então é uma abertura curta. A música é boa (cativante) e as imagens remetem ao tema “ciência” da série, mas deixam de aproveitar muita coisa, mostrando os personagens apenas no final.

Claro que tudo isso é uma questão de opinião pessoal.

O ser humano é um contador de histórias. Sempre foi, desde a época em que se reunia ao redor da fogueira pra dividir informações, e de lá pra cá muita coisa mudou. Muitas técnicas evoluíram e as formas de contar essas histórias mudaram. De tudo, o que eu acho mais interessante é a figura dos heróis, ou especificamente os super-heróis.

A figura do herói aparece nas narrativas como uma pessoa que desempenha grandes atos e que serve de inspiração e exemplo para quem ouve a história. Tipo a obstinação de Ulisses que aguenta anos de provações e de sacanagens divinas pra chegar em casa, ou Perseu que foi encarar a Medusa para não abrir mão dos seus objetivos! Os heróis são foda!

Mas aí, pulando milhares de anos, a gente vem pros super-heróis, seres que são capazes de fazer coisas extraordinárias, tipo o Super-Homem e tal. Mas pra mim o mais interessante dos super-heróis é que a história pregressa de cada um já é, por si só, um conto e uma lição inspiracional independente dos feitos desses heróis. Alguns ótimos exemplos são:

O Batman teve os pais brutalmente assassinados na frente dele. O cara teve uma infância "ruim"... O cara tem "todo o dinheiro do mundo", mas nenhuma família (fora o mordomo). E o que ele faz? Decide se aprimorar física e mentalmente e utilizar todos os recursos a seu dispor para combater o mal que ferrou a vida dele. O ponto heroico é que ele não mata, nem mesmo usa armas de fogo, se colocando acima dos seus inimigos!

A Mulher Maravilha é uma amazona da mitologia grega, criada pela rainha das amazonas junto com o deus da Guerra mulheres que vem pro mundo "dos homens". Ela é a metáfora da mulher que era criada para ser uma grande guerreira e ao mesmo tempo uma diplomata, na verdade é muito mais "forte" do que os homens à sua volta e isso gera grande conflito. Já foi rotulada como lésbica e como apologia à violência acima da razão e do diálogo, mas seu ponto heroico é que ela traz uma perspectiva inspiradora para o sexo feminino contra a misoginia e se transforma constantemente desde sua criação (em 1941) até os dias de hoje.

Os X-men são jovens "diferentes" e desprezados pela sociedade por serem o "novo" ou o que escapa aos padrões. Os mutantes são a metáfora da adolescência, que embora sempre sofra rejeição pela geração anterior mostra que o "diferente" pode ser melhor e maior e que novos talentos não precisam ser ameaças. Seu ponto heroico é a luta que travam com esses seus poderes (que os torna "diferentes" e "especiais") defendendo o mundo que "os teme e os odeia", como diz o seu próprio tema.

Com os seus anéis, os Lanternas Verdes (todos os membros da tropa) podem criar formas de energia baseado no que  imaginarem, além de voar até mesmo pelo espaço limitado apenas pela sua força de vontade e desde que não seja dominado pelo medo (que é o seu verdadeiro ponto fraco). O anel é uma metáfora para a determinação da alma humana. A força de vontade é a medida do empenho e do esforço do indivíduo, que pode "construir" qualquer coisa, desde que esse indivíduo não permita que o medo lhe prenda. Há ainda o detalhe importante de que os Lanternas são uma TROPA, compreendem que a união e o trabalho coletivo são capazes de construir muito mais, embora não deixe de perceber a individualidade, já que cada Lanterna faz seus construtos diferentes dos demais, de acordo com sua forma de ver o mundo e de senti-lo.

Na TV, no cinema, nos contos de fada ou nos quadrinhos, heróis existem porque as pessoas precisam deles para ensinar algo e para estimular a grandeza.

Uma coisa que sempre existiu são as produções cinematográficas baseadas em livros. Afinal de contas, um bom livro tem em si o roteiro pronto para um excelente filme. Bastaria passar a linguagem para a narrativa visual, construir o ritmo para cobrir a história no tempo do filme e conceber imagens e escolher os atores para casar com as descrições. É natural.

Desde os grandes clássicos, livros sempre dão bons filmes... ou não!

Nas pesquisas de comunicação nós chamamos essa troca de formato de "Remidiação", sendo que "mídia" é o formato, o aparato ou o suporte que usamos para acessar um conteúdo. A mídia pode ser livro, televisão, cinema... no que se refere a mídia, o céu é o limite (porque até aviões que puxam faixas no céu são usados como mídia). Remidiar é fazer com que algum conteúdo mude de uma mídia para outra, mas como cada mídia tem suas características próprias, é sempre necessário adaptar, cortar, expandir... Mas e quando essas mudanças transformam o conteúdo em "outra coisa"?

Um exemplo de um conteúdo que passou por muitas mídias é a franquia de jogos "Prince of Persia". A história nasce da Cultura Oral do oriente médio onde o folclore narra contos sobre destino e da sua inevitabilidade e de um nobre guerreiro que desafia essas regras do destino. Esses contos são registrados em Livros que passam a contar com imagens ilustrativas e a deixam estática... enrijecida. Muito depois é que surgem os jogos de Videogame (13 jogos até hoje) inspirados no guerreiro "das mil e uma noites", permitindo que o jogador duele com inimigos, desvende quebra-cabeças, invoque uma força sombria para vencer obstáculos e faça pequenas voltas no tempo para consertar pequenas falhas. Com o sucesso dos jogos é produzido um Filmeque em duas horas leva o espectador a tudo que o jogo proporciona. Paralelamente são lançados também Quadrinhos baseada nas aventuras dos jogos que aprofunda o personagem por permitir o registro mais livre de seus pensamentos e diálogos.

Na oralidade, nos livros, nos videogames, no cinema ou nos quadrinhos, a história é a mesma: o nobre guerreiro que desafia o curso do destino e enfrenta perigos e monstros.

Mas voltando ao início do texto, falávamos de cinema e suas adaptações de conteúdos, sendo que desde o ano 2000 com o primeiro X-Men e 2002 com o primeiro Spider-Man as adaptações de quadrinhos tem conquistado muito espaço, se provando uma categoria forte na indústria de entretenimento (com orçamentos altíssimos, diga-se de passagem). Mas como dito acima: um conteúdo que migra de uma mídia para outra não é mais o mesmo conteúdo... é uma versão daquilo que foi, transformado para o novo formato.

Lançado recentemente, o filme "X-Men: Days of Future Past" é a versão cinematográfica da saga lançada pela Marvel em 1981, de mesmo nome (chamada no Brasil de "Dias de um Futuro Esquecido").

Quem leu o quadrinho original naturalmente fará comparações entre o que leu e o que viu na telona, da mesma forma como quem leu o livro e viu seu filme ou qualquer outra mudança de mídias, mas afirmo que essa NÃO É UMA COMPARAÇÃO JUSTA!!! e o motivo é simples: um filme é uma produção limitada! O tempo de contar essa é limitado, o elenco para dar vida aos personagens, os cenários para as cenas e acima de tudo o orçamento para alcançar tudo isso tem limites. Outras mídias se baseiam na nossa imaginação para dar a dimensão de tudo, mas o cinema e a tv são explícitas, ficando sempre a dever do que nós imaginamos. 

Por fim, um apelo: sejamos mais tolerantes com filmes e séries de tv, afinal elas não podem atingir o nível do que se passa em nossas mentes... vamos assistir séries e filmes pelo que são: versões das histórias que conhecemos. Vamos nos divertir com eles sem cobrar que sejam tudo o que, para cada um de nós, eles poderiam ser.

Por que assistimos séries? Acompanhamos narrativas como forma de vivenciar histórias... a Teoria da Comunicação defende que temos a necessidade de passar por variações emocionais e que consumir produtos de mídia (seja assistindo filmes, novelas, séries, seja jogando games ou seja lendo livros) nos faz sentir essas emoções na segurança das nossas casas. Isso também nos explica porque existem tantos temas e gêneros diferentes (humor, drama, terror, aventura, fantasia), pois temos variados sentimentos e precisamos estimulá-los... e cada pessoa com suas necessidades em níveis diferentes. Mesmo que não sejam nossos sentimentos, os sentimentos dos personagens são "nossos" enquanto assistimos.

Cada formato age de forma diferente... filmes são grandiosos com grande impacto e livros por outro lado seguem o ritmo de leitura de cada pessoa, acompanham a qualquer lugar. Mas quando olhamos para mercados de nicho específico as séries são capazes de criar relações mais profundas por dois fatores: afinidade e familiaridade.

- Afinidade se refere ao fato de nos aprofundarmos no conteúdo que melhor supre nossos desejos pessoais, como a tensão de vida e morte dos dramas médicos os a descontração constrangedoras das comédias de situação. Existe sempre uma série capaz de estimular aquilo que nos falta.



Encerrada a 10ª temporada com a 11ª confirmada, "Grey's Anatomy" é um marco na categoria dos dramas médicos, como E.R. anos antes.

- Familiaridade, por outro lado, tem uma origem mais cultural desde a época da oralidade (muito próxima de nós pela tradição indígena do nosso folclore). Criamos vínculo com os personagens e eles passam a ser parte de nossas vidas... suas histórias se tornam nossas histórias.



Planejada para ter uma temporada de 12 episódios, em 2001, mas a identificação do público levou o programa a ultrapassar uma década de exibição.

Essa relação contribui para os momentos de clímax emocional, que são marcados pelos finais de cada temporada (chamados season finales na indústria), já que o contrato das séries é renovado a cada temporada (geralmente uma por ano) sempre fechando com algo grandioso!

Esse "algo" se chama cliff hanger, um ponto em que a trama se resolve parcialmente, mas aspectos cruciais da evolução dos personagens é deixada em suspenso, mantendo nosso interesse até a próxima temporada. Essa suspensão nos deixa incertos do que possa acontecer com aquele "ente querido" ou se aquele nosso "local de fuga" ainda vai existir.



No final da 5ª temporada de "Buffy, a Caça-vampiros", Buffy morre. Se não houvesse uma 6ª temporada a série terminaria com a heroína morta num ato de auto-sacrifício.

O final de temporada é o final de um ciclo, e todo fechamento gera uma grande dose de stress... Ou seja: final de temporada são a treva!

O público que admira Jornada nas Estrelas, Harry Potter, RPG, Cosplay, entre outros tantos estilos de jogos, filmes e HQ’S terá uma convenção com todos esses temas que atraem a atenção dos chamados nerds. O dia de Orgulho NERD, também conhecido como Dia da Toalha (em referência ao livro "O Guia dos Mochileiros das Galáxias") é comemorado no mundo inteiro desde 2004, geralmente no dia 25 de maio, data em que foi lançado o livro. No Recife, por questões de comodidade, o evento acontece no dia 27.

O evento, que acontece no auditório da Livraria Cultura, no bairro do Recife, traz uma programação de palestras, exposições, homenagens e também espaço para a confraternização dos amantes de tudo que envolve a cultura nerd. É a segundo ano em que os organizadores do evento promovem atividades voltadas tanto para os que já possuem intimidades com esse universo, quanto para o público em geral.

Haverá discussões e aprofundamentos sobre o universo de Jornada nas Estrelas – O Império Klingon; Guerra nas Estrelas – Conhecendo o Seabra de Luz; debates sobre o RPG - Malk Talk Show, Harry Potter, brincadeiras, dinâmicas, apresentações de artes marciais, Zombie Walk, homenagens, entre tantas outras atividades.

Já no Paço Alfândega, um grande espaço foi reservado para os jogos. Haverá Mesas de RPG (Jogos de Interpretação de papel), Card Games (Jogos de cartas), Hero Clix (Miniaturas de personagens com mapas), Board Games (jogos de tabuleiro), exposição de HQs nacionais com projeção.

O evento acontecerá no 2º Piso do Paço Alfândega, e no auditório da Livraria Cultura, das 13h às 20h, com acesso gratuito. Para mais informações, acesse o link.