O segundo episódio do podcast Resenha UNAMA na Copa tem notícias, curiosidades e muito bate-papo sobre o mundial de futebol do Catar. Produzido e apresentado pelos alunos Rodrigo Sauma e Melbya Rolim, do curso de Jornalismo da UNAMA, sob a supervisão do jornalista e professor Antonio Carlos Pimentel, a resenha tem como convidados o jornalista Mateus Miranda, da TV Cultura, e a blogueira e maquiadora Maria Carolina, para falar de memes, vídeos virais, torcida, arbitragem feminina, dança do pombo e das quartas de final, com destaque para Brasil x Croácia. Clique no ícone abaixo para ouvir.

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As aventuras do cavaleiro medieval Arthur são consideradas por muitos jogadores como uma das franquias de jogos mais desafiadora dos anos 1980 e 1990, já que o game exigia reflexos precisos e velocidade na hora de apertar os botões, o que fazia os mais casuais desistirem logo nos primeiros segundos do jogo. Diante destas premissas, a empresa Capcom traz aos tempos modernos o título “Ghost 'n Goblins Resurrection” para os PCs, Playstation 4, Xbox One e Nintendo Switch.

O novo game foi concebido pelo motor gráfico RE Engine, mesmo utilizado nos jogos mais recentes da franquia “Resident Evil” e em “Devil May Cry 5” (2019) mas, diferente destes títulos, “Resurrection” adota um estilo artístico cartunizado, que remete aos clássicos 8 e 16 bits. Já os cenários, em sua vasta maioria, são obscuros e lembram pinturas feitas com tinta guache.

Assim como os antecessores, “Resurrection” é um game de rolagem lateral (side-scroller) e o jogador assume o papel do destemido cavaleiro Arthur, que deve resgatar a princesa das garras de diversos demônios e garantir a salvação de seu reino. Durante a jornada, o aventureiro terá que encarar hordas de inimigos, desviar de obstáculos e realizar inúmeras escaladas em montanhas e torres.

O caminho será árduo e testará a paciência dos jogadores, pois nos níveis de dificuldades normais, os monstros são infinitos e não param de surgir em todos os lados da tela. Além disso, Arthur possui uma movimentação travada, o que dificulta o processo de realizar as esquivas. O cavaleiro conta com sua armadura para protegê-lo, que se desmancha após receber duas pancadas dos inimigos e deixa o protagonista apenas com sua ceroula de moranguinhos.

O game também disponibiliza várias armas como lanças, facas, frascos de água benta e pedras espinhosas, que podem ser trocadas durante as fases. Mas é preciso ficar atento, pois muitas vezes o jogo oferecerá alguns armamentos que podem não ser úteis naquela situação e ao pegá-los, o jogador poderá ser obrigado a resetar o nível. Ao longo da aventura, Arthur também terá acesso a algumas magias que causam danos de área e podem livrá-lo de alguns perigos.

Para tornar o caminho menos ardiloso, será possível realizar upgrades em Arthur por meio de alguns colecionáveis espalhados pelas fases, que permitem adquirir novas magias e carregar mais do que uma arma. Outro fator que facilita o progresso do jogador são os pontos de controles espalhados pela fase, que possibilitam ao jogador retomar de um determinado ponto da aventura, após morrer. Este recurso está muito mais à disposição, quando comparado aos antigos jogos.

“Ghost 'n Goblins Resurrection” não é um título para aqueles que buscam uma aventura casual. Em alguns momentos, a dificuldade pode frustrar o jogador e fazê-lo desistir. Mas, o game é uma boa opção para os aficionados por desafios e também para os fãs das antigas aventuras do cavaleiro Arthur.

  Durante um show em um bar na cidade de Ceilândia, Distrito Federal, na última sexta feira (3), um cantor sertanejo resolveu brincar com os clientes e subiu em um ônibus que passava no local. No entanto, parece que o motorista do transporte público não estava para muita ‘gracinha’ e arrancou com o veículo do local.

No vídeo, o cantor aparece subindo pela porta traseira no ônibus e continua cantando. Enquanto isso, os clientes riem da situação. Por meio das caixas de som, a voz de Xandy, da dupla Xandy e Ricardo, continuava sendo ouvida. De acordo com o G1, ele desceu na parada seguinte e voltou a pé para terminar a apresentação. Assista ao vídeo:

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Ele é forte, bonito, bom, rápido e supera as dificuldades da vida para se tornar um verdadeiro herói Invencível. Quem ele é? O americano, especificamente, o da indústria hollywoodiana. Quantas vezes não nos deparamos com essa mesma figura, multiplicada em várias faces, nos mais diversos filmes que povoaram nossas 'Sessões da tarde' ou insistiam em se fazer presentes nos cassetes que alugávamos nas saudosas locadoras (que Deus as tenha)? A orgulhosa visão do americano sobre si mesmo, difundida pela extrema faixa conservadora do cinema estadunidense, convenceu e emocionou milhões ao redor do mundo: pobres e valentes americanos, como sofreram nas mãos dos sanguinolentos e maldosos japoneses; como lutaram pela paz mundial e esfacelaram o terror do totalitarismo; como resistiram; como sobreviveram; como são corajosos. Ok! Há alguns anos já recebemos, em demasia, estas mensagens. Mas a Angelina Jolie fez questão de nos trazer mais de duas horas de mais… do mesmo.

A armadura do “baseado em fatos reais” também já não é surpresa. Aqui, a narrativa relata a história verídica do americano Louis Zamperini (Jack O’Connell). Descendente de italianos, Zamperini descobre, ainda em sua conturbada infância, o talento para o atletismo. Incentivado pelo irmão, segue carreira no esporte até ser convocado para disputar os Jogos Olímpicos. O recorte do filme pincela, através de flashbacks, essa fase da vida do protagonista, e já rasga os ouvidos do espectador com a retumbante trilha de Alexandre Desplat, ensinando onde abrir um sorriso emocionado, em cada nova (e repetitiva) realização do jovem Louiz. Tudo é mais claro para o atleta. A fotografia nos cenários em que este se encontra parece ganhar mais luz e até seu figurino (o seu traje de competição) é mais claro do que o dos outros atletas. Claro, ele é o americano.

Sem muito, ou nenhum, desenvolvimento, a trama avança cronologicamente e regressa diegeticamente para Zamperini como combatente dos Estados Unidos durante a Segunda Guerra. Da mesma forma desinteressante, cheia de cenas e diálogos que não acrescentam nada à película, somos apresentados à escalada de desventuras do protagonista, que começa com o acidente de avião, os 47 dias à deriva em alto mar com dois outros soldados, e termina na prisão em solo japonês. Este segundo ato da obra é o mais problemático. A lentidão da narrativa, o aparente looping de acontecimentos e a falta de empatia dos personagens, carentes de complexidade, naturalidade e verossimilhança, tornam a produção difícil de ser engolida. Cenas como a de um dos sobreviventes do acidente pescando um tubarão com as mãos abusam da inocência e boa vontade do espectador.

Quando o exército japonês entra em cena, o maniqueísmo e o ufanismo do filme, que já haviam começado a dar as caras, são escancaradamente revelados. A fotografia em tudo que circunda “o inimigo” é escura e os próprios militares japoneses são retratados com o máximo possível do estereótipo clichê-histórico. Mas, por incrível que pareça, toda a violência física e emocional impressa ao inquebrável personagem não convence, não emociona, nem muito menos impressiona. Sua “heroificação” já é tão evidente e forçada, desde os primórdios da trama, que ao alcançar certo elixir, parece não ter mais forças para seguir por mais longos 40 minutos. A direção de Angelina Jolie, também produtora do filme, não traz novidades. Se o discurso do roteiro, que tem os irmãos Coen como dois dos autores, beira a sisudez direitista Eastwoodiana, já a falta de criatividade técnica, e até certa preguiça para achar soluções visuais menos clichês por parte da cineasta, lembram Pearl Harbor, do mal fadado Michael Bay.

O que resta é tentar resgatar o gosto nostálgico pelas antigas, e repisadas, histórias de heróis americanos e ousar se deixar levar pelo decurso natural de Zamperini, que vem à tona nas mãos de uma cineasta nova rendida ao antigo modo americano de se mostrar ao mundo: invencível.

Invencível estreia nesta quinta-feira nos principais cinemas do Brasil. Confira a seguir o trailer do filme:

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Caros Eric e Mário,

Sempre fui uma pessoa que se considerou de poucos amigos e pouquíssimos melhores amigos. Na verdade, por muito tempo, questionava se tinha algum melhor amigo. Fui um solitário por natureza durante muito tempo, sempre me resguardando das possíveis derrotas que a vida me traria, como se ninguém mais no mundo as atravessasse. Porém, fui crescendo e saindo da concha aos poucos, mas, ainda assim, sou daqueles que se sente um solitário em meio à multidão. Talvez me sinta assim por muito tempo ainda.

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Ao assistir o trailer ou ver um poster de Planeta dos Macacos: O Confronto, é possível se enganar e entrar no cinema aguardando um filme com foco na ação, recheado de explosões e pancadaria entre humanos e macacos. Mas assim como seu antecessor (Planeta dos Macacos - A Origem), este filme é uma agradável surpresa que explora a queda da raça humana e a ascensção dos primatas de maneira inteligente, criando uma tensão palpável entre os dois lados.

Em O Confronto, já se passaram dez anos dos eventos do último filme e o vírus que gerou a gripe símia infectou pessoas ao redor do mundo, aniquiliando boa parte da população. Uma minoria imune se encontra lutando pela sua sobrevivência. Malcom (Jason Clarke) e Ellie (Keri Russell) são dois destes sobreviventes e fazem parte de uma comunidade liderada por Dreyfus (Gary Oldman) e precisam encontrar uma fonte de energia para se manterem vivos.

Enquanto isso, nas florestas de São Francisco, a população de macacos inteligentes floresceu e os primatas estão visivelmente avançados. Eles têm técnicas de caça, usam linguagem de sinais e muitos já conseguem falar. O protagonista é, mais uma vez, Cesar (Andy Serkis), que agora lidera a população primata. Malcom e Ellie são enviados para encontrar e reparar uma represa que resolverá sua crise de energia, mas ao chegar descobrem que ela se encontra dentro do território de Cesar, fazendo o clima entre as duas populações ficar mais pesado.

O mais interessante é que o diretor Matt Reeves (Cloverfield, Deixe-me entrar) faz com que nenhum dos lados seja pintado como o antagonista - até Dreyfus, apresentado no trailer como alguém que só se importa com humanos, não se comporta como um vilão - e isso traz uma sensação de desespero para o longa. Diante da natureza da saga Planeta dos Macacos, o filme se torna uma contagem regressiva, e quando o cronômetro zerar haverá derramamento de sangue. A genialidade do roteiro é fazer o público simpatizar com ambos, humanos e macacos, e torcer para que o conflito seja evitado por preocupação que alguém se machuque. Planeta dos Macacos se mascara de um filme de ação, mas ao contrário de outras produções hollywoodianas, não glorifica a violência e a trata como o momento de maior tragédia do enredo.

Reeves comanda os dois grupos de personagens numa rota de colisão. É doloroso e satisfatório ver a forma com a qual o diretor gerencia a história. A violência eventualmente chega e as cenas de ação acontecem, mas o público conhece quem está lutando, então há uma qualidade pessoal para estes momentos. O plano original era ter uma conclusão mais explosiva, mas Reeves inteligentemente trocou isso por algo que trouxesse um fechamento digno dos personagens desenvolvidos ao longo da trama. É uma bela exploração da violência e suas consequências

Nas atuações, o holofote vai mais uma vez para Serkis, que é tão bom como Cesar quanto foi como Gollum na série Senhor dos Anéis. Ele é um talentoso ator que se destaca, especialmente nos papéis que interpreta através de captura de movimento, personagens gerados por computação. O filme começa com um quadro fechado nos olhos de Cesar e isso é uma declaração de Reeves para mostrar não só quão avançados os efeitos especiais implementados são, como também a capacidade de Serkis de transmitir o personagem através de expressões faciais. É uma das atuações mais impressionantes do ano, e quando Cesar começa a falar, cada palavra é entregue com uma entonação de poder e autoridade, digna do líder dos macacos.

A atuação de Serkis não é a única a se destacar entre os macacos. Toby Kebbell faz um belíssimo trabalho como o raivoso Koba, um dos poucos que não confia 100% em Cesar, e ele se prova incrivelmente versátil trazendo uma interpretação que totalmente baseada em seu doloroso passado com os humanos, ajudando a justificar as ações questionáveis do personagem. Nick Thurston é a grande surpresa em sua atuação como Blue Eyes, filho mais velho de Cesar. Ele representa muito bem o conflito interno que há entre os macacos: perdoar ou não os humanos pelo que fizeram com macacos antes do vírus?

Por outro lado, personagens humanos não apresentam tanta variedade na atuação. Jason Clarke faz um belo trabalho como alguém que quer o bem para todos, mas Keri Russell não tem muita profundidade, até por falta de material no roteiro. Kirk Acevedo interpreta o responsável por consertar os circuitos da represa, e ele passa boa parte da trama com a mesma expressão facial; Kodi Smit-McPhee, que vive o filho de Malcom, também falha em adicionar peso ao filme. Gary Oldman é o destaque entre os humanos, e em uma cena sem diálogo ele passa para o público tudo que precisam saber sobre seu personagem para simpatizar com sua causa. 

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Visualmente, Planeta dos Macacos: O Confronto é um espetáculo. A fotografia de Michael Seresin conta com diversos quadros em que a câmera desfocada é usada para enganar o espectador, induzindo-o a pensar que está vendo humanos, quando na verdade se trata de macacos. O design de produção de James Chunlund ajuda a criar duas sensações opostas dentro dos ambientes do mundo, uma de perda para os humanos e outra de ascenção para Cesar e seu grupo. O filme foi filmado em florestas reais ao invés de apelar para telas verdes e a diferença é visível, especialmente quando combinada com os belíssimos efeitos especiais que trazem os primatas à vida.

Planeta dos Macacos: O Confronto é mais um filme que discorda da suposição que blockbusters são bonitos de se ver, mas rasos nos quesitos de história e personagens. Ele traz uma ótima visão para um clássico de ficção científica e vai agradar fãs dos filmes clássicos ao mesmo tempo que conquistará pessoas que queriam outra versão da história. O que Reeves faz neste filme é uma conquista digna de nota e vai ser interessante ver o que ele tem planejado para o terceiro filme, que deve ser lançado em 2016. Ainda sobre o longa recém-lançado, as bilheterias norte-americanas já registram o sucesso da franquia. Confira no vídeo a seguir: 

O Grande Hotel Budapeste fez sua estreia no Brasil na 18ª edição do Cine PE deste ano em abril. Agora é a vez dos cinemas multiplex receberem a película a partir desta quinta (3). O filme conta a história de um lendário concierge em um famoso hotel da Europa e sua amizade com um jovem empregado, que se torna seu protegido. A trama envolve o roubo e a recuperação de uma pintura renascentista, além da batalha por uma fortuna de família e as vagarosas e súbitas mudanças que atingiram a Europa durante a primeira metade do século 20, durante as duas grandes guerras.

Dirigido pelo cineasta americano Wes Anderson (Os Excêntricos Tennenbaums, 2001 e Moonrise Kingdom, 2012), O Grande Hotel Budapeste gira em torno de um velho escritor (Tom Wilkinson) que decide contar a história do tempo que passou no hotel, oportunidade em que conheceu o proprietário do lugar (F. Murray Abraham). No jantar, ele contou ao escritor como se tornou dono do local que, mesmo em declínio, transbordava em história. 

A trama é centrada na amizade entre M. Gustave (Ralph Fiennes), concierge do hotel, e Zero (Tony Revolori), o jovem mensageiro do lugar. Tudo se intensifica quando Gustave recebe um quadro de herança de uma senhora rica recém-falecida, incomodando os familiares da vítima, que fazem de tudo para acusar o concierge do assassinato. Preso inocentemente, M. Gustave, com a ajuda de Zero e de sua namorada Agatha (Saoirse Ronan), tenta provar sua inocência.

Nesse aspecto, o filme consegue dá profundidade moral ao roteiro, mostrando até que ponto o ser humano chega quando o dinheiro está em jogo. Os crimes hediondos e o desenrolar da história são passados ao público com humor que deriva para ironia e para sátira.

Como em Moonrise Kingdom, todas as sequências fluem. São longas e difíceis cenas de fuga e perseguição. A imaginação de Wes Anderson dá vida a um design de produção impecável, com destaque aos seus típicos travellings de câmera com paredes, figurinos e objetos na decoração que, apesar de remeterem ao início do século 20, parecem existir apenas dentro do filme, como numa fábula.

Não é à toa que o narrador que inicia a produção está enquadrado numa janela scope e a história do passado é sempre mostrada em uma janela quadrada no formato 4:3. O filme ainda é dividido em capítulos, como em um livro, cujas capas apresentam estilo próprio. Mais um recurso utilizado para remeter à literatura.

O roteiro lúdico pintado em cores pastéis traz vilões caricatos, que na maior parte das cenas são engraçados. O Grande Hotel Budapeste é uma obra belíssima, inspirada em textos de Stefan Zweig, poeta e dramaturgo austríaco que faleceu em Petrópolis/RJ na década de 1940. A trilha sonora de Alexandre Desplat conduz a história com delicadeza e confere humor às cenas.

Serviço

Recife DeLux 3 (R. Padre Carapuceiro, 777 -  Boa Viagem)

Sextas, sábados e domingos l 22h 

RioMar 11 (3D) (Av. República do Líbano, 251 – Pina)

Quarta l 20h40 

Rosa e Silva 1 (Av. Conselheiro Rosa e Silva, 1460 – Aflitos) 

Sextas, sábados e domingos l 20h40 

O Homem-Aranha surgiu nos quadrinhos no inicio dos anos de 1960, ideia e desenho da visionária dupla Stan Lee e Steve Ditko. O herói surge quando o estudante Peter Parker é picado por uma aranha radioativa, que lhe confere poderes similares ao aracnídeo, como escalar paredes e reflexos sobre-humanos. Desde então ele tem se tornado um dos heróis mais carismáticos e conhecidos pelo público.

Apesar da fama, só ganhou uma adaptação cinematográfica em 2002, com a direção de Sam Reimi (Evil Dead e a recente adaptação do Mágico de Oz). O resultado foi uma trilogia que terminou num terceiro filme que não funciona. Um dos erros de Homem-Aranha 3 foi o excesso de vilões: Duende Verde, Homem-Areia, Venom, entre outros.

Exatamente 10 anos depois do primeiro filme, foi a vez de Marc Webb (500 dias com ela) assumir a direção da franquia. O primeiro Espetacular Homem-Aranha, graças à experiência no tema do diretor, é muito eficiente na parte romântica, mas acabou caindo em clichês, soluções bobas e vilões que explicam demais. Tudo isso colaborou para diminuir as expectativas para a sequência.

Tudo isso deixou as expectaticas para a sequência lá em baixo. Mas equivocadas. Parece que Webb prestou atenção nas reclamações dos fãs e fez grandes melhoramentos de um filme para o outro. A parte romântica e dramática, que fora destaque no primeiro filme, volta ainda mais intensa, com grande carga emocional, concentrada nos dilemas que Peter sofre: cumprir ou não a promessa que fez ao pai de Gwen e a relação cheia de segredos com a própria tia.

Muitas cenas não seriam tão boas se não fosse as brilhantes perfomances de Andrew Garfield e Emma Stone, que sem sombra de dúvida são o destaque do filme no quesito atuação. A ação é tão ágil quanto o protagonista, mostrando todo o potencial acrobático das habilidades únicas do Aranha. Cenas como a luta na Times Square e da Usina de Força são bem realizadas e oferecem um deleite audiovisual.

Muitos filmes não justificam o uso do 3D (a exemplo do filme anterior), mas Espetacular Homem-Aranha 2 soube exatamente o que fazer com a tecnologia, dando um toque especial tanto para as cenas de ação como nas que seguem o Herói enquanto ele desliza por Manhattan. Nota-se muito bem os momentos em que ele sai da tela e a profundidade quando ele se afasta.

A trama ganha mais poder com a trilha sonora de Hans Zimmer, que em parceria com cantores famosos como Alicia Keys e Pharrel Williams, entre outros, compôs uma trilha adequada à carga emocional necessária, mas que não deixa de ser divertida.

Mas e quanto à quantidade de vilões? O primeiro a ser apresentado é Rhino, ainda apenas como o bandido comum Aleksei Sytsevich (Paul Giamatti), que logo desaparece, deixando espaço para Max Dillon (Jamie Foxx), um funcionário da Oscorp que fica obcecado pelo Homem-Aranha depois de ser salvo por ele. Mas após um acidente bem cartunesco, se torna Electro, que também logo desaparece para dar espaço a Harry Osborn (Dane DeHaan).

O velho amigo de Peter Parker volta a Nova York para procurar a cura para a rara doença que levou seu pai e foi herdada por ele. Para isso, ele precisa do sangue do Homem-Aranha. Só quando percebe que nem a Oscorp, nem o Aranha vão ajudar na sua campanha, é que Osborn recruta Electro para sua cruzada contra o aracnídeo. As coisas correm rápido no que diz respeito aos vilões, muita coisa para ser desenvolvida, como as constantes referências ao Sexteto Sinistro, limitou o tempo de tela de cada um deles. Apesar disso, cada um dos atores tem seu mérito e faz um trabalho louvavél com seus respectivos papéis.

O Espetacular Homem-Aranha 2 consideravelmente melhor que o primeiro filme, tanto na parte técnica quanto na história. Mas vale ressaltar que foi um filme arriscado, por muito pouco não teve tempo de desenvolver as várias tramas. Isso não chegou a prejudicá-lo, mas talvez seja um problema caso se repita no próximo. É um filme que vai empolgar os fãs do Aranha, seja dos quadrinhos ou dos filmes anteriores, e que vale a pena ser visto, principalmente em 3D.

Por Stefano Spencer

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Uma das histórias bíblicas mais conhecida pelos cristãos é a de Noé, um profeta que recebe a missão de construir uma arca para salvar centenas de animais do grande dilúvio. A narrativa toma poucas páginas do livro de Gênesis, porém seu desdobramento fora da Bíblia é imensurável. A história já foi adaptada para livros infantis e até músicas religiosas. Agora, a história ganha uma sombria adaptação cinematográfica.

Dirigido por Darren Aronofsky (Cisne Negro), Noé conta a história do profeta de mesmo nome (Russell Crowe, estrela de O Gladiador) que muda sua vida e seu modo de agir para completar uma missão divina. Apesar de ser baseado num épico bíblico, o filme indaga as relações humanas, ou melhor, a falta delas. A missão de Noé não é fácil, nem de total heroísmo. Para cumprir seu destino, o profeta se torna uma pessoa sombria e deixa para trás milhares de seres humanos que passam sede e fome.

Impiedoso, Noé desperta medo e ira em sua esposa Naameh (Jennifer Connelly, de Uma Mente Brilhante) e seus filhos Sem (Douglas Booth), Cam (Logan Lerman, de As Vantagens de Ser Invisível) e Jafé (Leo McHugh Carroll). Quem também integra a família é Ila (Emma Watson, a Hermione da saga Harry Potter). Ela foi encontrada ferida e desamparada ainda na sua infância. A atuação de Crowe não chega a ser brilhante, mas também merece reconhecimento. Inicialmente o papel de Noé seria vivido por Christian Bale (trilogia Batman) ou por Michael Fassbender (12 anos de escravidão). Mas por incompatibilidade na agenda nenhum dos dois acertou com a produção. Já Jennifer Connelly emociona no papel, assim como Emma Watson, que cada vez mais conquista seu espaço em Hollywood. 

Outro personagem bíblico bastante conhecido que aparece no filme é Matusalém. O ancião é vivido por Anthony Hopkins, famoso por interpretar Hannibal Lecter nos cinemas. Noé é neto de Matusalém. É durante uma visita ao avô que o profeta descobre sua grande missão na Terra. 

Noé é uma grande produção épica com várias cenas de lutas e até gigantes. "Os guardiões", como são conhecidos, parecem mais com os robôs de Transformers, embora sejam constituídos por rochas e luz. Esses personagens não estão na história original da Bíblia e a mistura entre o clássico e a ficção causa um incomodo no início, mas depois vira um belo show de efeitos especiais.

Aronofsky se considera ateu, mas é um grande admirador da história de Noé por causa das decisões que ele precisa tomar para garantir a salvação dos animais. Em relação ao roteiro, o diretor apresenta um cuidado ao se referir a Deus, criador do mundo segundo a Bíblia. No filme, a maioria dos personagens se refere à imagem divina apenas como “O Criador” ou "Ele". 

Apesar de ser uma história para salvar animais, os bichanos mal aparecem no filme. A produção não utilizou nenhuma espécie real nas gravações, tudo é digital. Em Noé, fica evidente algumas características próprias de Darren Aronofsky. O personagem principal é confuso e cheio de dilemas, assim como a bailarina Nina, interpretada por Natalie Portman em Cisne Negro, também do mesmo diretor. Já as “visões” de Noé sobre sua missão aparecem após uma montagem de pequenas sequências de imagens que possuem o mesmo estilo técnico utilizado em Réquiem para um sonho.

A trilha sonora não fica de fora. Sempre instrumental, a música incorpora a emoção da cena. É um elemento típico de Aronofsky que ganhou forma pelo músico Clint Mansell, também compositor da trilha de Cisne Negro. Antes de Noé, o diretor não havia trabalhado com produções de blockbusters. Apesar de ter um filme com objetivo de garantir um grande espetáculo ao público, Aronofsky não deixa sua maior característica de fora: a complexidade da mente humana.

Proibição de Noé

O épico bíblico de Darren Aronofsky foi vetado em três países islâmicos: Catar, Bahrein e Emirados Árabes Unidos. A produção contraria uma das crenças do Islã, já que retrata a imagem de um profeta. 

No Brasil, Noé entra em cartaz nesta quinta-feira (3). A novidade fica para os recifenses, que poderão assistir ao filme numa tela gigante com tecnologia IMAX. As sessões acontecem a partir desta sexta (4), na nova etapa do cinema do Shopping Recife, em Boa Viagem.