Mesmo com um recorte de tempo limitado - com obras realizadas entre o 60º aniversário de Turner e sua morte, em 1851 -, a mostra Late Turner - Painting Set Free traça um panorama bastante vasto das questões que mobilizaram o pintor ao longo da vida e que, de certa forma, se intensificaram em sua fase madura, reunindo quase duas centenas de pinturas, desenhos e esboços.

Lá estão presentes diversos subtemas, como a importância das viagens, a presença das narrativas clássicas e dos mitos, a capacidade inesgotável de experimentar novas técnicas e formas de pintar e o interesse crescente pelas marinhas - ao ponto de dizerem que ele teria se amarrado a um mastro de navio para ver como era uma tempestade de verdade. Mas o principal foco de interesse, que parece costurar todos esses segmentos, é o anseio por sublinhar a notável capacidade do artista de condensar, num mesmo e intenso processo, um profundo interesse pelos temas históricos e míticos com uma observação arguta, atenta e dramática do mundo moderno. Obras em destaque, como Rain, Steam and Speed (1844), uma impactante e inovadora representação visual da sensação de movimento (ao ponto de Constable ironizar dizendo que ele usava fumaça tingida ao invés de tinta), são exemplos precisos dessa atitude de confronto entre o progresso e a natureza. As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

O fera que está se preparando para o vestibular deve ficar atento. Faltando poucos dias para a prova do Exame Nacional do Ensino Médio (Enem), o Portal LeiaJá traz nesta quinta-feira (16) dicas de literatura com a professora Erika Costa do Colégio BJ e Curso. 

Durante resolução de questões, a educadora reforça que estudantes devem saber diferenciar as funções das artes, e principalmente ter conhecimento sobre Semana de Arte Moderna. Assista ao vídeo abaixo:

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Recife ganhou o primeiro parklet permanente da cidade. O espaço foi montado na Rua do Futuro, em frente ao Parque da Jaqueira, na Zona Norte do Recife. A estrutura é uma intervenção urbana, agindo como uma extensão da calçada, com bancos, pufes e bicicletário.

São quatro bancos com encosto, medindo 1,5 metro de largura, jardineiras e três pufes. O bicicletário terá 1,6 metro de largura. Segundo a Prefeitura do Recife (PCR), o parklet é de madeira pinus com verniz naval, sendo resistente ao sol e à chuva. A estrutura recebeu ainda desenhos do artista plástico Bozó, da Nuvem, produtora especializada em arte urbana.

Para o movimento Cicloação Recife, a atitude da PCR é louvável. O grupo espera agora que as estruturas sejam colocadas em frente de estabelecimentos comerciais, substituindo um automóvel estacionado na frente por um maior espaço para atendimento aos clientes. 

Índio, burguês, flâneur, intelectual, primitivo, artista, espectador extasiado. O fotógrafo peruano Martín Chambi (1891-1973) saiu de uma cidade muito pequena e muito isolada às margens do Lago Titicaca, com seus 16 anos, vindo de uma família indígena quéchua, para se tornar a grande testemunha visual do nascimento de uma nação, nos primeiros anos do século 20.

A mostra Face Andina, que o Instituto Moreira Salles abriu nessa quinta-feira, 2, em sua sede, traz algumas das obras mais importantes de Chambi, pelas quais se pode acompanhar seu percurso e suas revelações. São 88 fotografias (ampliações feitas a partir dos negativos de vidro originais) e 23 postais inéditos, encontrados recentemente pela curadoria em 6 álbuns comprados de um colecionador.

Muitos se debruçaram sobre o esplendor das fotos de Chambi, que são maravilhosas. Para Mario Vargas Llosa, Chambi "desnudou a complexidade social dos Andes", entre outros méritos. O lote apresentado pelo Instituto Moreira Salles é um recorte que ilustra desde as origens do fotógrafo até os exemplares mais emocionantes do seu orgulho étnico.

Passando por festividades, casamentos, paisagens (como sua primeira visão do Caminho Inca) e cenas cotidianas populares, até chegar a seu período de maior reconhecimento profissional (quando teve um estúdio e começou a fotografar famílias burgueses), Chambi tinha um único objetivo, que era "conhecer e me confundir com o verdadeiro povo", além de imaginar um Peru "finalmente nosso". Tinha, portanto, um princípio ideológico.

"Ele nunca deixou de fotografar o povo andino, era um militante da valorização de sua gente", diz a curadora da exposição, Mariana Newlands. Mas Chambi fazia isso, esclarece a curadora, sem idealizar nem romantizar nada. Ele via com afetuosidade e carinho seus conterrâneos, mas não dourava a pílula. Essa característica "crítica", por assim dizer, de sua obra acaba por destacar elementos da dominação econômica, da submissão cultural, o espírito duro do progresso, as aspirações de classe social, assim como também do legado da terra.

Chambi aparece em vários momentos da exposição, eram comuns seus autorretratos. O que ilustra essa página mostra o fotógrafo olhando para um negativo de si mesmo como um Hamlet do altiplano, mas há também fotos suas em motocicletas e ao lado de sua mula no alto de uma montanha - o peso do equipamento era tamanho que ele precisava dos animais para se locomover, e ainda assim o fazia como um atleta.

Chambi começou estimulado pelo fascínio que sentiu ao ver os fotógrafos das mineradoras de ouro da região em que cresceu. Por ambição profissional, foi ainda garoto para Arequipa, onde teve como mestre outra lenda peruana, Max T.

Vargas. Tornou-se um dos primeiros fotógrafos a registrar a cidade de Machu Picchu, descoberta em 1911, e teve fotos publicadas em outros países, como no jornal argentino La Nación e na National Geographic.

Sua obra se fez cult no mundo todo, o que ajudou a família a recuperar seu legado (hoje, estimam-se em 30 mil os negativos existentes no Arquivo Fotográfico Martín Chambi). Seu triunfo é a vitória de milhares de peruanos anônimos, que tornaram-se parte do retrato de formação de seu país. "Havia conseguido ser mais um cusquenho em Cusco, querido e respeitado por pessoas importantes e simplórias, ricos e pobres. Minhas fotografias eram a causa, e minha identidade ancestral, minha inspiração." As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

O ano de 2014 leva mais um grande nome da cultura brasileira. Desta vez, nos deixa o escultor, desenhista, ceramista, gravador e poeta, Abelardo da Hora. Mais um pernambucano que ganhou o mundo com sua arte e fez exposições em vários países da Europa, na Mongólia, na Argentina, em Israel, na antiga União Soviética, na China e nos Estados Unidos.

Apesar de ter sido, no começo da carreira, influenciado por Cândido Portinari, ele afastou-se de qualquer referência ou influência anterior e começou a construir um estilo próprio e que logo caiu no gosto do povo. As obras de Abelardo tornaram-se inconfundíveis. Ele era um apaixonado pela figura feminina e pelo povo.

Abelardo despertou para arte por coincidência, quando entrou, por acaso, na Escola Técnica da Encruzilhada e concluiu o curso de Artes Decorativas. No entanto, não acredito em coincidência. Abelardo se tornou o que era em sua essência: um dos pilares da arte moderna em Pernambuco.

As esculturas de Abelardo estão espalhadas pelo Recife, no entanto, é na sua casa que está a maior parte das suas obras. O artista trabalhava e vivia no mundo que ele mesmo criava. Quem olhava aquele pequeno homem, enxergava um jeito doce, a tranquilidade e a simplicidade de quem tinha prazer em viver e trabalhar.

Da Hora era um exemplo de vitalidade. Com mais de 1.800 obras e aos 90 anos, ele se preparava para novos trabalhos. Abelardo foi comunista, fundou a Sociedade de Arte Moderna do Recife, contou que foi preso mais de 70 vezes, inclusive durante o golpe militar, foi secretário de educação e tantas outras coisas. Mas, o mais importante, Abelardo da Hora foi e é história.

E, se a arte de Abelardo da Hora é, desde o começo, feita de amor e solidariedade, ele dedicava o seu amor às mulheres através das esculturas e a solidariedade vinha da inspiração que o povo e a vida popular lhe davam. Uma das séries mais famosas do escultor, “Meninos do Recife”, foi inspirada no sofrimento e na miséria do povo, e eternizada em esculturas expressionistas.

O último traço da genialidade de Abelardo da Hora foi sobre o futebol. A peça ‘O Artilheiro’ está imortalizada na entrada da Arena Pernambuco, em São Lourenço da Mata, sua cidade natal. Com um título sugestivo, a estátua simboliza o artista que sempre fez “gols” em todos os seus trabalhos. Em um ano tão marcante, perdemos mais um grande artista e inspirador.

O Brasil era um país em transição para o modelo industrial quando o fotógrafo de origem alemã Hans Günter Flieg desembarcou no porto de Santos com sua família, em 1939, escapando de uma Alemanha antissemita à beira da catástrofe nazista.

Flieg, nascido em Chemnitz, na Saxônia, tinha apenas 16 anos, mas uma relativa experiência com câmeras, que aprendera a operar entre 1937 e 1938 com a professora Grete Karplus, ex-funcionária do Museu Judaico de Berlim. Foram necessários apenas seis anos para que Flieg se estabelecesse como respeitado fotógrafo de publicidade e arquitetura, produzindo por encomenda algumas das mais belas imagens que registram o processo de desenvolvimento industrial e arquitetônico de São Paulo, cidade que adotou e onde mora até hoje, aos 91 anos.

Flieg será homenageado pelo Instituto Moreira Salles (IMS) com um livro (Flieg - Indústria, Arquitetura e Arte na Obra de Hans Günter Flieg) e uma mostra retrospectiva no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo (MAC/USP). A exposição, com 220 imagens do fotógrafo, será aberta neste sábado, 20, às 11h30, com uma visita guiada pelo curador Sergio Burgi. Ela traz fotografias do acervo do artista sob guarda do IMS, uma coleção com mais de 35 mil negativos registrados nas quatro décadas de atividades de Flieg, que encerrou sua carreira como fotógrafo em 1988.

Num contato inicial com as fotos em preto e branco do primeiro período de atividade de Flieg - anos 1940 a 1960 - é possível associar essas imagens aos princípios estéticos do construtivismo internacional, corrente em voga na Alemanha nos anos 1920, embora o fotógrafo, naturalizado brasileiro em 1965, não identifique essa filiação, preferindo ver na própria experiência profissional - o registro de indústrias, lojas e objetos - o marco zero de sua formação como fotógrafo. Um dos pioneiros da fotografia publicitária no Brasil, seu trabalho é caracterizado pelo rigor e pela limpeza formal, valores igualmente encontrados nos fotógrafos ligados ao movimento Neue Sachlichkeit (Nova Objetividade), em particular Albert Renger-Patzsch (1897-1966). Outro nome a ser lembrado e que mantém parentesco estético com Flieg é Paul Wolff (1887-1951), especialmente no que se refere ao registro de fábricas e fotos de arquitetura (como a do ginásio do Ibirapuera em construção).

Flieg trabalhou com grandes arquitetos, entre eles Lina Bo Bardi, que projetou o Masp. Fotografou o museu desde a pedra fundamental - aliás, antes dela, registrando a demolição do belvedere do Trianon, que deu lugar a um pavilhão onde foi realizada a 1.ª Bienal de São Paulo, da qual Flieg, aliás, foi o fotógrafo oficial, em 1951. Sua ligação com arte é antiga. "Foi por meio dela que comecei a fotografar, pois gostava de desenhar e fazer gravuras em linóleo na Alemanha", conta Flieg. Mas, ao contrário dos fotógrafos contemporâneos que procuram amalgamar pintura e fotografia, ele preferiu seguir o caminho do suíço Werner Bishof (1916- 1954), que buscou a serenidade e harmonia fora da representação pictórica, em confronto com o mundo real. Flieg admite que o intrigava o sentido de ordem e placidez presente no clássico livro sobre o Japão de Bishof, morto prematuramente, aos 38 anos.

Apesar de reconhecer tais referências, nunca se considerou um autor. "Não fazia distinção entre fotografar um chocolate da Candy ou uma fábrica da Klabin." Ele garante que tampouco frequentava o círculo dos que se dedicavam à fotografia experimental no Brasil, que ingressou na modernidade pela porta do concretismo (Geraldo de Barros, por exemplo). "Eu vim como imigrante e via a fotografia como ganha-pão", justifica. "Aprendi muito tarde a pensar em foto autoral, diria que por volta dos anos 1970, quando tive contato com Boris Kossoy e conheci Madalena Schwartz."

Kosoy viria a organizar a primeira retrospectiva de Flieg em 1981, quando dirigia o Museu da Imagem e do Som (MIS). Era uma mostra completa, que tinha desde uma foto do seu cão Ajax, fotografado pelo jovem Flieg aos 11 anos, até fotos de catálogos de indústrias. O fotógrafo conserva vários álbuns com fotos da família, sendo possível notar as semelhanças do precoce fotógrafo com Paul Wolff desde que começou a usar a câmera presenteada pelo pai (mais tarde ele adotaria Wolff como referência num calendário da Pirelli).

Acima de tudo, as fotos de Flieg são marcadas pela arquitetura da luz, que o fez valorizar os cristais da Prado, os móveis de Zanine, os prédios de Artacho Jurado, Rino Levi e Oscar Niemeyer."Nunca gostei de flash, usava lâmpadas normais", revela. Nem precisava. Hans Günter Flieg, decididamente, tem luz própria. As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

Em 2011, a ArtRio surgiu com a ambição de se tornar uma das cinco mais importantes feiras de arte do mundo, do nível das gigantes Art Basel, na Suíça, e a londrina Frieze. Três edições depois, ainda pavimenta esse caminho, mas já conseguiu o feito de atrair - e fidelizar - grandes colecionadores e galerias como a Gagosian, a maior do mundo, a Pace e a David Zwirner, as três de Nova York, e a White Cube e a Victoria Miro, de Londres, movimentando mais de R$ 100 milhões a cada ano.

O sucesso da iniciativa dos sócios Brenda Valansi, Elisangela Valadares e Luiz Calainho se mede também pelo surgimento de eventos paralelos. Em sua terceira edição, a ARTIGO Rio, focada em obras mais baratas, acessíveis à "nova classe média", é um deles - 40% das obras à venda têm preços entre R$ 500 e R$ 5 mil. Trinta e cinco galerias estão participando. Pela primeira vez, a feira será no mesmo Pier Mauá da ArtRio, no armazém de número 6.

"Não há concorrência entre as duas porque nosso foco é outro: não é alto comprador e, sim, a nova classe média, que sabe que a obra de arte vale mais do que o objeto de decoração, além da velha classe média. E tem também o colecionador que quer o artista novo, a promessa", explica Alexandre Murucci, idealizador do evento, que espera atrair 20 mil pessoas. "Somos um sinal de amadurecimento do mercado. Nas grandes feiras do mundo, existem até 20 eventos paralelos."

As duas feiras mesclam galerias brasileiras a estrangeiras, e vêm crescendo. Hoje ocupando os armazéns 1, 2, 3, 4 e 5 do cais do porto (são mais de 20 mil metros quadrados de área), a ArtRio começou com 83 galerias e público de 45 mil pessoas; hoje tem 110 galerias, de 13 países, e recebe cerca de 50 mil pessoas. Os organizadores não querem inflar esses números - depois de um primeiro ano de boom, a feira chegou a 2012 com 120 galerias e 74 mil pagantes, o que foi considerado exagerado. A peneira curatorial foi fina: mais de 450 galerias se inscreveram para vir.

"A gente chegou ao formato que quer seguir. Hoje o público é muito mais preparado. No primeiro ano, as pessoas não sabiam direito o que era uma feira, achavam que era uma exposição", acredita Brenda, para quem está provado que era descabida a dúvida quanto à capacidade de o mercado brasileiro acomodar uma segunda feira, sendo a primeira a SP-Arte (que existe desde 2005 e é realizada em abril).

"O Rio tem um apelo turístico, as pessoas vêm. E a cultura está no DNA das pessoas. Por outro lado, nós nunca quisemos fazer uma feira no Rio para o Rio e, sim, uma feira internacional no Rio. Buscamos o equilíbrio entre o brasileiro que compra arte estrangeira e o estrangeiro que compra arte brasileira", diz.

Entre os nomes nacionais, será possível encontrar de clássicos, como Cícero Dias e Maria Leontina, a novidades dos contemporâneos Vik Muniz, Nuno Ramos e Daniel Senise. Entre os estrangeiros, assinaturas estelares, de Monet e Picasso a Damien Hirst e Yayoi Kusama - todos com obras vendidas por milhões de dólares.

Os negócios mais vultosos devem ser fechados já nesta quarta-feira, 10, quando os grandes colecionadores, aqueles que frequentam o circuito de feiras internacionais, terão acesso privilegiado aos galpões. De carros executivos exclusivos, eles chegarão às 11 h, duas horas antes da abertura oficial, e terão curadores especializados para fazer visitas guiadas. Outros mimos à disposição são brunches oferecidos pelas galerias junto com os artistas, visitas a ateliês, a casas de colecionadores e a museus, em horários fechados só para eles.

Este ano, a arte de rua ganhou em status: a ArtRua será aberta amanhã no Centro Cultural Ação da Cidadania, perto do porto, e terá trabalhos inéditos de artistas reconhecidos, como o baiano Toz. As informações são do jornal O Estado de S. Paulo.

O Serviço Nacional de Aprendizagem Comercial (Senac) abre duas oportunidades na área de desenho e ilustração. A instituição oferece duas turmas para o curso de Ilustrador, uma com aulas iniciando no dia 12 de setembro, pela manhã, e outra no dia 15 à noite. Com carga horária de 160h, os cursos têm aulas três vezes por semana.

Os cursos contemplam vários assuntos, entre eles estão: técnicas para elaborar imagens, com conceitos de sombra e luz, forma, cor, perspectiva, composição e figura humana. Os conhecimentos adquiridos servem de base para outras áreas no ramo das artes gráficas e plásticas, como design, moda e publicidade.

As inscrições devem ser realizadas presencialmente na Central de Atendimento Senac (CAS), situada na Avenida Visconde de Suassuna, nº 500, Santo Amaro. Os interessados devem ter, no mínimo, ensino fundamental completo.

Cursos de Ilustrador | Senac

Central de Atendimento Senac (CAS) - Avenida Visconde de Suassuna, nº 500, Santo Amaro

0800.0811.688

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Arte para uns, erro para outros. As famosas tatuagens atravessaram séculos e acompanham gerações. Já serviram de ritual em tribos indígenas, como formas de identificação em campos nazistas, símbolo de força e de vida para os marinheiros, se “marginalizaram” através dos presidiários e, atualmente, viraram entre os jovens símbolos para a liberdade de expressão. 

Quando as tatuagens ainda vêm acompanhadas de piercings, o preconceito é bem maior. O problema mais questionado é que os desenhos podem ser “mal vistos” por certas profissões consideradas conservadoras, representando assim uma barreira para a admissão. Então, essa escolha é um grande dilema para quem quer colocar os desenhos na pele. É preciso saber analisar como esse ato pode interferir na vida profissional.

Apesar de o preconceito contra pessoas tatuadas ser menos evidente atualmente, ainda existe um receio em algumas pessoas na hora de se tatuar por conta do mercado de trabalho. Na hora do "vamos ver" sempre surge aquela pergunta: “Ser tatuado pode ser um problema na hora de buscar emprego?”.  Na hora de uma seleção, é sempre importante saber o perfil da empresa, se o cargo é diretamente ligado ao atendimento ao consumidor e se você acredita ter o perfil para a vaga. Para a assessora de Recursos Humanos, Viviane Duque, as tatuagens não são motivos para a eliminação de um candidato em um processo seletivo. “ Não existe nenhum normativo, nenhuma norma de conduta e contratação que implique que a pessoa que for tatuada está fora da seleção”, afirma.

Em depoimento ao Portal LeiaJá, a assessora dá algumas dicas para os candidatos. Confira na entrevista em vídeo:

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As “aparências” não enganam

As tatuagens são presentes na vida do advogado Vinícius Santiago. Ele conta que pensou bastante no local que em que seria tatuado. “Nas primeiras tatuagens, minha preocupação era muito grande. Quando fiz a mais recente, na parte interna do braço, pensei como isso poderia repercutir na minha vida profissional. Embora a advocacia seja uma profissão extremamente tradicional, não há que se confundir a conduta do profissional com gosto e preferências da vida pessoal”, opina.

Para o advogado, as tatuagens não interferem  na competência,  no compromisso profissional e não podem estar vinculados apenas a imagem.“Acredito que as pessoas associam as tatuagens a uma vida desregrada. A representatividade dos desenhos e mensagens são pessoais, escolhidas para marcar eventos importantes. Em outros países, da América Latina mesmo, o uso de tatuagens é bem mais comum. É incrível como há resistência às diferenças. Afinal, considerar que uma pessoa riscada tenha um caráter duvidoso é, no mínimo, uma grosseria.”, complementa. 

Cuidados necessários na hora de se tatuar

Para evitar traumas, infecções e estresses, devem ser tomados alguns cuidados antes de escolher o local onde será feita a tatuagem. A primeira dica é que sejam visitados alguns estúdios, para que você tenha noção de como é o espaço e conheça tatuador. Preste também muita atenção se o local está com condições de higiene validadas pela Vigilância Sanitária. Pontos como esterilização do material, uso de luvas e o descarte delas devem ser analisados. Os tatuadores não podem receitar nenhum tipo de remédio, apenas pomadas para cicatrização.

Vale ressaltar que após fazer a tatuagem existem vários e importantes cuidados que devem ser seguidos para que possam garantir a cicatrização e evitar qualquer tipo de infecção. Depois de terminada a sua tatuagem, ouça bem as recomendações do tatuador sobre quais são os cuidados a serem tomados. Use uma película sobre o desenho e aplique a pomada no local. É importante evitar a exposição solar durante pelo menos um mês para que queimaduras sejam evitadas. Durante o processo de cicatrização é normal que a tatuagem ganhe uma crosta e que dê comichão, mas, evite coçar, a retirada pode modificar os desenhos. Ao primeiro sinal de infecção ou reação alérgica, consulte de imediato um médico.

O que diz a legislação?

Não existe nenhuma lei no Brasil que proíba o preconceito sofrido por pessoas tatuadas. Mas, o Art.1º da Lei Nº 9.029, de 13 de Abril de 1995, proíbe a adoção de qualquer prática discriminatória e limitativa para efeito de acesso a relação de emprego, ou sua manutenção, por motivo de sexo, origem, raça, cor, estado civil, situação familiar ou idade.

Mas em São Paulo, um projeto de Lei do deputado estadual Campos Machado, tornou crime a tatuagem feita em menores de idade, mesmo que eles tenham a autorização de seus responsáveis. O Art.1º da Lei 9.828/97 diz que estabelecimentos comerciais, profissionais liberais, ou qualquer pessoa que aplique tatuagens permanentes em outrem, ou a colocação de adornos, tais como brincos, argolas, alfinetes, que perfurem a pele ou ombro do corpo humano, ainda que a título não oneroso, ficam proibidos de realizarem tal procedimento em menores de idade, assim considerados nos termos da legislação em vigor.

Opinião do tatuador

Existem muitos profissionais bem treinados para tatuar e reproduzir com perfeição os desenhos e escrituras em corpos. O tatuador e grafiteiro  Júnior M. EU relata que o número de pessoas que fazem tatuagens tem crescido, que os clientes já tem noção do que querem fazer. “Grande parte da clientela já vai decidida do que quer fazer e onde, mas venho  percebendo que grande parte evita certos tamanhos e não mais lugares”, afirma o tatuador.

Júnior sempre aconselha seus clientes antes das sessões. “A pessoa tem que ser ela mesma e fazer o que lhe está confortável a fazer. Se ela não está segura de que quer ter uma tattoo no momento, então não é a hora certa. Às vezes o medo pode vir de casa, do trabalho ou igreja e quem tem uma tatuagem assume o risco e pra isso é preciso ter a mente decidida”, declara.